一、怎么拍摄舞台表演照片？

不考虑使用闪光灯这个原因很简单，1.是演出单位和剧场不允许使用，尤其是一些高层次的演出；2.来闪光灯不是舞台摄影的理想光源。因此，舞台摄影的光源主要来自于现场的舞台灯光，这是一项非常专业的领域，通常一台好的演出其灯光效果是经过精心设计的，灯光师会依据舞台人物的造型设置不同的灯光。如面（脸）光、耳光、后轮廓光、布景光等等，还根据表演需要用灯光营造感情色彩。好在高水平的演出本身已具备理想的广源，只要你思维敏捷，技术娴熟，心到手随就行。舞台灯光的设计特点是：相对于配角、布景而言主角的左右耳光是最强的，这是为了表演的需要，光线的强弱对比观众的视觉系统可以自我调节，但照相机没有这样的调节功能，这就是我们时常抱怨说：我明明在看见光的效果最好的时候按下快门，为什么拍出来主体人物却曝光过度而背景效果没有了的原因。为此当你想表现背景的气氛时要尽量避免主体人物转向左右耳光时拍摄；如果你觉得主体人物形态美感最佳而此时主体人物又恰好转到面向耳光，你就可能要牺牲背景气氛而着重捕捉人物的形体瞬间。然后是要做到胸有成竹：所谓胸有成竹，首先是对各种表演艺术门类要熟悉，掌握每一表演艺术门类的规律并尽可能做到懂行；其次在拍摄之前明了你所拍摄的剧目，这两点是关系到你的摄影成功与否的关键。因此对于每一场的演出而言，具典型象征意义的场面和精彩的瞬间是有限的，用“稍纵即逝”来形容舞台的最佳拍摄时机是最合适不过的了。有道是“熟能生巧”，身手灵活、思维敏捷、对典型瞬间的预见性，这些均为舞台摄影者所必须具备的内在素质，当摄影的技术操作已不再成为问题时，你对表演艺术的了解越深，临场的发挥就愈加得心应手，挥洒自如。最后当然是要随机应变：但还需留意演出现场发生意料之外的情况，注意观察表演者的现场发挥并善于捕捉。相同的剧目，不同演员的演绎会有明显的差异，就算是相同的剧目，相同的演员演绎也会因表演者与表演者之间的即兴情绪感染。表演者与观众之间的情感互动而有所不同，这恰恰是舞台艺术的魅力，是在家看DVD和看现场演出的本质区别，同时也是舞台摄影引人入胜之处。一但这样的情况出现之时也就意味着你可以拍到意想不到好镜头的机会来了。以前些日子在文化艺术中心的一场新年音乐会为例，著名小提琴大师薛伟台上甫亮相，其貌不扬的他没引起我太大的拍摄欲望。但随着手起弓落，美妙的音符在瞬间征服了所有听众，抬望眼处大师的脸部表情异常地生动，与乐队指挥的台上互动非常默契，我的情绪立即被调动起来，于是就捕捉了一组独奏。 最后告诉大家，虽说舞台摄影主要是靠现场抓拍，但不要忘记表演是运动的，一气呵成的，尤其是舞蹈表演，跳跃、旋转、快速的舞步，动作之快远远胜于运动场上的百米冲刺。

二、求助舞台摄影高手们

书店有这方面的书籍，图书馆也有这方面的资料。一方面要浏览网上信息，另一方面也要进一进书店和图书馆哦！同时向你身边的专业老师请教一下，足够受益的。如果成功我们将看到大大的精美高水准的舞台摄影呈现。但这需要时间哦！至于相机吗，有一个专业与半专业的数码单反相机和广角镜头就足矣了。期待！

三、舞蹈 摄影 哪个最赚钱？

我觉得，舞蹈和摄影都可以赚很多钱，也不相上下... ...不过，你最好选择自己的强项或者是自己最喜欢的爱好，这样，既能赚钱，又可以从中享受乐趣，这不是一举两得？如果，你能舞蹈和摄影一起做，那就更具完美了！...望采纳！

四、怎样拍摄舞台表演

设备方面要有三脚架，一个广角镜头一个长焦镜头，镜头的最大光圈越大越好

相机设置方面：如果是好单反机身，就设置高感光度，根据灯光亮度设置到1000，也可以更高，根据机身决定，因为拍摄舞台用闪光灯的话会破坏气氛。而且大合唱的场面比较大，机身闪光灯打的范围有限，外置闪光灯的话最好设置到自动状态。拍舞台全景要求一定的景深，光圈就不能太大，最大用到5.6，如果光线很好就可以用到8甚至更高。如果拍特写就用最大的光圈来虚化背景。拍摄模式选择为光圈优先，然后试拍几张看看，如果快门速度低于60/1秒，那就需要设置更高的感光度了。

拍摄的时候最好用raw格式，这样即使曝光有些不足，也可以在软件里边调整过来，而且可以在软件设置自动色调，帮助你后期处理出色彩正常的图片。

白平衡也需要设置，先放到自动白平衡状态拍几张，如果感觉色调正常就用自动白平衡，如果色调不正常就使用其它的白平衡，有必要的情况下要自定义白平衡了。

如果你用的是卡片机，那就放到自动挡上拍吧，因为机型不一样，效果也不一样，这里不好说。当然效果也不好说，肯定不如单反。

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